头两期，我说，这不是我知道的歌手。
是的，即便有爱心扶助亚非拉音乐事业的结实姐，这依然够不上我心目中《歌手》所应有的水平。
第一期的时候，邓柯抛出了这样一个问题，大约是说这个时代没有自己的天王天后。
但是我却认为，这个时代，理应没有天王天后。因为天王天后的时代，已经过去了。这不再是一个单一化、风潮化的社会，不断构建的文化体系，不断复杂化的社会结构，让这个时代不会被某一种文化轻易贯穿。加上世界多元化的大趋势，让人们的喜好越来越碎片化，折射出大千世界的丰富多彩。一个让所有人都敬仰、都崇拜的天王巨星，在这个时代，是不可能存在的，甚至讨厌他的理由可以是，你样样都好，但是我不喜欢你，因为喜欢你显得我没有个性。
所以问题更应该是，在这多元化的时代，一个歌手的音乐，怎么在大众中找到独特的受众（而不是想着成为天王天后）？
恕我把《歌手》拔得太高（我就是以这么高的期许看歌手的），歌手里的音乐，不仅仅应该是流行层面的（这里面有太多商业和传播学的考量），更应该是艺术层面的。这个平台出品的每一首歌，都是一件被庄重的挂进画廊、待价而沽的艺术品。而艺术的价值又在哪里、为这件艺术品买单的人又在哪里呢？
最关键的因素，还是人，艺术因人而生，其价值也终身和人相连接。
连接的一端是艺术家。现代艺术愈发明显的一个特征就是艺术品的价值和作者有直接的联系。这我在之前的乐评也反复阐述过。不是你画个格子就可以卖出蒙德里安的价，也不是你画一条线就可以叫伤痕，你把房间贴满波点也成不了草间弥生。这甚至不是名人效应，而是你确实没有那些艺术家一路求索的历程，也没有他们领时代之先的洞见和胆魄。他们是独一无二的，你却只能复制。在艺术家的作品之外，为他们艺术做注解和支撑的，无疑是艺术家整个生命的厚度，这是庞大而不可或缺的上下文。
连接的另一端是受众。其实每个人的选择也都是独一无二的。许多默默无闻的作品，都因为被一个人看中、爱上，才爆发出惊人的价值。与其说这些作品艺术性有高低，毋宁说是只有当艺术品和观看者建立连接的时候，它真正的价值才显现。同样在现代艺术中，需要观者自己去体悟、自己去思考的成分越来越多。于是作者和观者，通过这件艺术品对视，交谈，赋予它新的生命。
所以，再怎么标榜就事论事，再怎么以音乐说话，都不能改变这个事实：
观众听的是歌，选的，却是人。
曾经在上一季，在《歌手》资源似乎难以为继的时候，有朋友提议，与其三顾茅庐那些爱护羽毛的成名歌手，不如多请请年富力强的新人，让他们在这个最高音乐舞台大乱斗，烈火出真金，让有才华的新人能够真正走进大众视野。
我连连摇头，如此这般，歌手的水准一定会大降。因为歌手，不仅仅比的是唱功实力，更比的是内在，比的是积淀，比的是心态。
并无多少资历的新人、或者默默无闻的歌手，来到这个舞台，他们便太容易心态失衡了。他们急于向世界证明，这个我也会，那个我也会，我品味高端，我本钱雄厚，我风格多变，我实力逆天，我时运不济，我沧海遗珠。如此这般，观众听到的永远只是歌，而看不见你的人，因而也就看不见真正的艺术——你自己都没有找到自己，如何给观众去看？
这也是为什么同样选秀出身的梁博去年来到舞台上，给了我很大的惊喜——他太有个性了，他只做自己，只做自己善于做的，只做自己喜欢做的，不在乎观众喜欢什么。虽然这绝不是一个赢得比赛的思路，但却无疑让自己被深深的记住了。可惜有此般洒脱心态的人，并不多。
所以，我写乐评，也抱着放弃治疗的任性心态，客观评述，主观喜恶，毕竟，一千个人心中有一千个哈姆雷特，不可能人人都同意我，但中国有十多亿人，或许，我只要忠于内心，只是表达自己的内心，便可以和一百多万人产生共鸣。

《离人》李圣杰
一曲离人，尽显李圣杰的功力之深，也露光了李圣杰的短板。
功力深在，他的掌控之细腻稳定，到了何等的地步，在这首不疾不徐、娓娓道来的歌曲中，大巧若拙的在那里炫技，一次次的渐强、渐弱、长音、强弱转换，看得出，这只能是千锤百炼出来的演唱。
而短板，也在于，他太缺乏和观众沟通的技术（和魅力）了。和后面出场同样唱一首淡淡的歌的张韶涵一比，就非常明显了：在娱乐圈磨练出来的张韶涵，无时无刻不有着强烈的镜头感，表情眼神无时无刻不在传递着讯息和情愫，这一点上，表情和肢体一样僵直的李圣杰，除了声音外战斗力简直为0。
于是，或许当我们在不经意间，听到这个声音，会觉得这是一个出色的歌手；但当我们认真聆听、去看他的表演，却很难感受到更多。
这也是pub出身的歌手们都面临的巨大课题。

《Hello》张天
张天，前两期的尿点担当。
我从前就说过，一个对大众而言陌生的歌手，来到歌手的舞台，首先应该想的不是用什么曲风、用什么唱腔，而应该回答三个最基本的问题，也就是保安大叔三问：你是谁，你从哪里来，要到哪里去。
只有从这里出发，通过音乐交出让自己和观众满意的答卷，才能在这个舞台不断的站下去。
张天在头两期并没有给我答案。
论先天，张天有着独特的声线特质，论后天，她对欧美音乐是训练有素、理解深刻的；但她并没有足够浑厚的高音，或是足够极致的现场爆发力，也就没有一锤子把人震醒，惊问“这是谁”的本钱。因而，她就需要更精心的去雕琢个人的音乐形象了。
味道十足的唱腔，精准轻盈的律动，是很赏心悦目——但，这些都是可以被替代的，或许还有一千个不为我们所知的新人，能做这样的表演，我们怎么知道她不是鹦鹉学舌的又一位？
我第一次看完《hello》，也有类似的感受。看到她唱的那么卖力，我却完全没有connection。这是一个个人的、私房版本的、带着纤弱气质的hello。层次比原唱少了好多，比起adele那发聋振聩的共鸣，比起国外众多**的翻唱，张天的这个演唱似乎不值一提，力不从心的高音，除了一开头留白外乏善可陈的改编，不是一个值得记住的版本，更不是一个让人眼前一亮的声音。那么，她的价值又在哪里？
当我想要更多的了解她的时候，偏偏她是一个中文都说不溜的人，在语言障碍之上，湖南卫视给她的vcr又远不如其他人给力，什么心路历程，什么内心刻画统统欠奉，更多的还是流于表面的介绍。于是，她的存在感就更低了。
可是，不得不说，张天是一个台下魅力不弱于台上的人，甚至台下比台上真实而有感染力的多。相比台上紧张僵硬的表情，在休息室里，她听每个歌手的演唱，都非常认真投入；对每个人音乐的闪光，都报以灿烂的笑容，都是如此的开心、如此的由衷，竟俨然是傻白甜的性格，像个活在音乐里的小孩子。这让人不由不心生好感。
音乐是需要血肉传递的。当我回过头再去看张天的这首《Hello》，奇迹发生了。表演没有变，但却仅仅是因为那一点点间接的了解、那一点点好感，却让我对这个姑娘产生了一点点关心和共情，当她皱眉浅唱的时候，我一下子就进到了歌里面，以至于副歌出来的时候，我的心也颤了一下。甚至当她花了吃奶的力气去憋副歌高音，发音都变型了的时候，我发现我也在为她捏着拳头。（我确认我不是高级黑）
甚至回过头再去听她前两场的歌曲，都会偶尔怦然心动：原来这个姑娘的歌这么有趣，带着小随着她的节奏摇摆。
但可惜的是，说到底，我个人感受这些转折，依靠的依然是场外因素（导演和剪辑的功劳）。或者说，光靠舞台上的表现，张天还没有能把一个对她一无所知的人圈粉的能力。
加把劲，用音乐告诉我们你是谁，让我们爱上你。
实在不行，你练练好中文，顶掉吉杰专当欧美歌手的音乐合伙人？

不知所云

《狼》苏诗丁
苏诗丁，也是属于大器晚成的。想想三年前张靓颖上歌手，是31岁，已经在给自己的出道十年做总结（况且她出道时也不算小鲜肉了），而同台的结实姐和她同年，都已经出道15年了。苏诗丁自己，年届而立，前年才展露头脚，大家还看着她陌生的面孔，叫她新人。
然而，她的生命里已经有一些可以拿出来的沉淀，而且更为重要的是正统音乐剧的训练给了她极其丰富的表情和肢体，这是这个舞台上极其缺失的。她表达的欲望和表现的能力，给了她充足的空间，在一首歌里把自己简练现代的形象烙印在观众心中。
在《天籁之战》上，那技惊四座的《痛快的哀艳》，以及和华晨宇合作堪称极致的《十字街头》，都给我留下了非常深刻的印象。
但是上一期听她唱《再见萤火虫》，就觉得她状态不如天籁，不知是因为紧张不够放开，还是天籁夺冠之后状态调整的问题，不但声音暗哑枯瘦，爆发力也似乎不如从前，主歌细心拿捏的唱腔所营造的美感被副歌的吃力和压抑完全破坏。
这首狼，感觉回来了一点。
狼这首歌，其实是很适合苏诗丁，有着超现实情境情境的歌词，摇滚的曲风，高潮段哥特气质十足的歌剧合唱，都充满了音乐剧的味道。
火星电台的曾宇亲自操刀编曲、上台伴奏，更给了这首歌很大的期待值。
一开始，只有简单的电吉他撩拨和电子鼓点，配着萧的呜咽悠扬，颇有新世纪电子乐的味道，由此展开了雪原狼行的冷色调画面。
相比原唱粗犷迷茫的公狼，苏诗丁这匹母狼，优雅而冷酷，甚至有些魅惑，
一遍主副歌后，在箫声的引导下，贝斯和真鼓加入，推进到了比较摇滚的段落， 并在副歌达到第一个高潮。然后弦乐进，歌剧式唱腔引入第二个高潮，然后轻巧的弱唱，为最后的高潮蓄势，最后用高音爆发。
这个安排其实相当合理。而且对照原曲，大致段落也是相去不远。
但是却有几个问题伤害了这首歌的表达。
首先在演唱上，小苏状况改善有限。小嗓拿捏细节时颇有王菲特色的颤音和鼻音都别有风味，需要共鸣和力量时又显出吃力和干涩来，还是像上一场一样，直到最后爆发，嗓子仿佛才彻底唱开。然而靠长音滑到的最高音，也不过E5的高度，
第二个问题，在歌曲的层次上。苏诗丁为了突出戏剧化的张力，又或是表现个人能力，不同段落之间唱腔、情绪变化过大，相比于原曲一以贯之、折而不断、层层推进的情绪，就显得破碎了许多，观众的情绪也更容易中断。
但更致命的问题，其实还在于她情绪状态的时合时离。比起在《天籁之战》上那旁若无人、全情入戏的苏诗丁，那个确实可以被称为艺术家的苏诗丁，这首《狼》中她明显不够投入，不够自在。即便唱着“我害怕”，却每每露出笑容，仿佛是得意于自己的种种小花招，又仿佛想要刻意的撩动观众。这首歌虽然情调大于内容，但毕竟是一首严酷的、内心的、孤寂的、挣扎的歌曲，苏诗丁把它完全唱成了一首情趣歌曲，可以说是丢了魂。
而一个以戏剧感和张力著称的歌手，如果在舞台上失去了投入，也是丢了魂。

《心的祈祷》李晓东
李晓东又是一个尿点。这是我在微博上的评语：
明明该是越过山丘的年纪，却总觉得他的渴望和不甘非常炽烈。而没有与时俱进的音乐风格，并不是说明他老了，只是说明他缺少真正顶尖音乐人的灵气和悟性。

《全世界失眠》张韶涵
张韶涵是这届歌手我最大的惊喜。
其实张韶涵，从来不在我心目中能上《歌手》的名单上。之前我也有听过几个她的现场，感觉到虽然她也算半个铁肺，但稳定度实在一般，演唱的层次、技巧也与我所知的歌手diva们差距很大，更没有听说有什么创作才华，靠什么在歌手立足呢？
但第二期，只是《阿刁》一首歌，居然让我依稀找回了几分《歌手》应有的感觉。这便是我所说的，靠自己的人生沉淀，和自己紧紧连接着的创作。人生的经历磨难，演艺圈多年的摸爬滚打，水滴石穿般的把张韶涵打磨成了一个有真正内涵和厚度的艺人。在那首歌里，阿刁便是韶涵，韶涵便是阿刁，唱着《阿刁》的张韶涵，是个艺术家。
想当初《全能星战》，张韶涵如小媳妇般受气，被百般质疑。
如今却在歌手舞台，个性全开，主持演唱落落大方，张弛有度，如鲜花盛放，妩媚动人。小精灵终于长成了女神。
再说这首《全世界失眠》
其实张韶涵十年之前就翻唱过这首歌。土豆上不修音的版本，可以明显听出音准的飘忽，那时的张韶涵，青涩，纯净，带着微笑，仿佛唱着一首浪漫的小情歌，虽然甜蜜，但情绪单一到似乎有些有口无心，是一个好听但不会让人记住的翻唱。
陈奕迅的音色，在华语圈是难以找到替代者的。恰到好处的摩擦感和颗粒感，深沉的胸声，天然有一种温暖感。而范玮琪的翻唱，主打的也是这种温暖感。
张韶涵这次的歌手版本，似乎并没有做太多的变化，但感情理解的深刻，却已不可同日而语。她给出的答案，是自扰的揪心。
为爱失眠是一件很可爱的小事，却因为太过渴望而想到未来，想到一生，想到终点，因此而惶惑不安，而患得患失，甚至急得掉泪，恐怕是更自然更深切的反应吧。
多年娱乐圈的严苛训练和自我要求，在这首歌里展露无遗：
看这舞台表现力，不管是低眉浅笑，还是举首凝眺，小小幸福，淡淡忧愁，一颦一笑都完全是在境中，摄影师拍到的每一帧画面都是美的。直接就是MV。最后的告白，是情之所至也好，心机设计也罢，都更进一步拉近了她与我们的距离。
在演唱上，因为难度和修音的关系，并听不出多少质量问题，但值得称道的还是那些微小的设计和把握。
最明显的还是在副歌，把原曲只在最后结束段出现的：一个人失眠、全世界失眠后面，留白的一个小节，扩展到所有的副歌段，感情的抒发效果在这首以失眠为主题的歌曲里尤其应景贴切，并且把整首歌的情绪状态都控制在一个收敛、独白的状态。
就连最后升key的高潮，这感情依然是含蓄的，克制的，仿佛女子愈发紧的拥入怀中的柔软思潮，何必需要过分激动？
细节上，“感情如潮水”时不同段落由弱而强的不同处理让我们能感受到感情的涌起和翻腾。“想起我的时候”的小心翼翼，“害怕闭上眼”张韶涵招牌式的滑音，都给这首歌增添了许多小味道。
至于最后长时间的停顿留白，更是全曲的点睛之笔：
不同于以往常见的刹车重启式的洒狗血停顿，也不同于许多画蛇添足的漫长结尾，这个宁静，是有触觉、有温度的。仿佛一下子就把我们带进了失眠的深夜，直勾勾的与看不到尽头的微凉夜气对视，攥着那解不开的念想和愁绪，欲语还休的呵出悠长的叹息。
这首平淡的小歌，在技术层面也如同野花一样平凡无奇，但这好像是牛排红酒之后一道清凉甜点，不太甜，不腻，刚刚好，让人会心一笑，心满意足。
于是，就算本场前三我也不会选她，张韶涵在我心中又加分了。

《下坠》汪峰
如果说，张韶涵的闪耀是意料之外的收获，那么汪峰的爆发则是在期待之中的。原本首发七人的阵容中，我最有期待的，便是汪峰了。虽然他的风格和个人形象近年被不断调侃而显得娱乐化、庸俗化，但我还是认为，汪峰的深度和才华是值得人们再次去端详的。何况，学院出身的他，应该当仁不让的是这一季人文气息的担当。
特别是近年，汪峰的嗓音条件逐年退化，不断的贡献出一大批群众喜闻乐见的车祸现场，最近似乎HighC都上不太去了，颇有点英雄末路的颓唐。节目里出现的声乐老师，估计也是节目需要，真正想要改变发声习惯，岂是一朝一夕。
但我反而觉得，对于真正有才华的音乐人，机能的衰落是一个机会，会让他反思，让他调整，让他重新出发。
坠落这首歌，之前我只对迪克牛仔的翻唱版本有印象，感觉旋律就有北方戏曲的影子在里面，是大陆摇滚才有的感觉，并没有细究，顺着汪峰的指引，再听时剑波的原唱，才恍然大悟，这歌果然应该是如此的硬朗，如此的直线条，才有如此英雄折腰的悲楚。
汪峰唱歌并不完全是直线条的，充满古典音乐熏陶的他，早年时，就以大小声对比的出色掌握而为人称道，加上粗糙的声线，用来表现此类男性气质明显的悲伤情绪，再合适不过。与第一场的《无处安放》有异曲同工直击人心的力量。
但更出色的，是他对这首歌的理解和改编，把这首歌带到了一个新的境地。
下坠，下坠，就好像那塌了的床，断了的弦，离别的爱人。但那不是永远的沉沦，人总是会往上攀登的动物，沉沦和磨难总会在回首时变成一个人生命中最宝贵的经历和财富。
下坠，下坠，就好像一去不复返的芳华，每下愈况、力不从心的嗓音，中年过半仿佛事事美满却驱不散的彷徨。但真正热爱音乐的灵魂，又怎会被这些束缚？
于是当伴奏停止、汪峰撕裂出“却带着泪”、大家都以为将要结束意犹未尽的时候，突然伴奏又起，带出了新一轮的高潮，伴唱烘托、弦乐齐鸣，不断的嘶吼高歌中，这一首简单的直抒胸臆的摇滚乐，刹那间有了福音音乐的感觉，如同乌云惨淡的银边，忽然绽出万到光芒，下坠在这一刻涅槃重生。“麻醉”，“心碎”，“带着泪”这些词一瞬间从颓废伤痛的意象，转换成了一种感恩，一种礼赞，一种忽然领悟的“回味”。这不是“励志”，这是最纯粹的热爱和信仰。它超越了汪峰破碎的嗓音，超越了实际他hit到的音符，直接飞翔到了他想飙飙不上的高度，打到人的灵魂深处。（我再次确认我不是高级黑）

《我要我们在一起》
其实我一直觉得，中国人对流行歌曲的品味，是文学性远高于音乐性的。因而千年前的流行歌曲——词牌，传唱大街小巷，如今只剩隽永文字，旋律早已不知所终；而大部分舶来的音乐形式，除了本来就简单通俗的口水歌外，民谣、摇滚、甚至说唱，都无不在中国的土壤蜕变成文艺青年、文艺中年们的配乐诗歌创作比赛，词越来越愤世嫉俗或超脱俗世，而音乐性却越来越差（其实说唱音乐性也是很强的，不然和快板有什么区别），对于这些千篇一律的和弦走向、大调来去的副歌旋律，我常常感到乏味，不知结实姐听到这些中文歌，会是怎样的感受。
幸好，李泉的到来，总算给华语音乐的多样性和深度补充了一大块。
我一个朋友就说：“没看节目，印象里他还是那种拽的二五八万的即兴也就自以为很了不起的”。是的，李泉唱歌时旁若无人、孤高自赏的状态确实并不是所有人都喜欢；而且上了年纪的李泉，在这首歌抒情吟唱的时候，抬头纹毕现，双手凭空乱抓，双眼圆睁，表情狰狞诡异，如格格巫在泡制新药水，毫无当年王子的风范。
但是作为中国首屈一指的流行爵士歌手，这些都可以忽略，其实看李泉即兴这首《我要我们在一起》也已经很多次了，可是这首就算再听一百遍，也依然是拿得出手的优秀live。
这里没有任何可以分析的安排，一切都是兴之所至，我相信李泉自己每一次的演出也都会不一样。松紧强弱，完全在一手之中。那些任性的跳跃、抢拍、拖拍又精准的回归，体现了爵士即兴最大的魅力。这些东西，许多人都已经说过了。
但在自由即兴之外，我看到了圆熟自在，看到了万千次重复后的浑然天成。因为这是无数次李泉让人眼前一亮的即兴表演之中，整体性也属于上佳的表演。
爵士乐作为用音乐技巧与人交流的艺术，太容易变成一种炫技表演，从而即兴的部分喧兵夺主，破坏了歌曲整体的情绪和结构。而在这首歌里，我听到的是看似随性的发挥后面，有一个非常清晰完整的布局，段落强弱掩抑又层层递进，情绪的高潮来得不早不晚，戛然而止时又恰到好处。若是十年前的李泉，即便演奏和演唱的技术、即兴的水准都已经臻于顶尖，也难以呈现这么一个可以直接发表的殿堂级作品。
和许多技术派的观点不同，我一直认为，极致的技术绝对不是一种艺术。但技术的磨练是唯一能给人自由，去表达自我，去采摘悬崖上那一株艺术之花的方法。正如我前言里说的，技术可以练习和复制，但掌握技术的人，他内心的感悟和求索，是无法复制的。
因为时间的限制，李泉只能拿自己最得心应手的歌来应战，而下一期开始，当他有自由去选择自己真正想唱的歌的时候，不知道会是怎样的风景万千。

总算有干活贴了

结实姐那段被河蟹了

这贴还不顶吗？

还是很喜欢楼主的文字，音乐鉴赏式的乐评

看来今年还是发到知乎或者干脆不发的好。贴吧完全没人看乐评